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19 de junio de 2024

Grandes Actuaciones - Net Flicks and Chill 87

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 Este mes de junio nos ponemos a revisar series y películas que tienen... grandes actuaciones, como dice el título. 


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¿Lo quieres en audio? Lo puedes descargar aquí o escuchar en el siguiente reproductor. También puedes escucharnos con tus aplicaciones favoritas como Spotify, Apple Podcasts, Pocket Cast, Spreaker, Tune In, Player FM, MixCloud, Overcast, iHeart Radio, Podcast Addict, Castbox, y hasta en iVoox.


Lista de Recomendaciones:

Good Luck to You, Leo Grande - Buena suerte, Leo Grande (Disponible en Netflix) Aquí Emma Thompson brilla, de hecho, hubo polémica por su desnudo, ¡una mujer de mediana edad! Es la historia de una viuda que decide contratar a un trabajador sexual para experimentar algo que nunca tuvo con su único compañero sexual, su esposo: el gozo. Es un viaje divino de preguntas y respuestas y de conocer lo que una persona desea y lo que se permite vivir.

Fantasmas (Disponible en Max) La nueva serie de Julio Torres, en donde un aspirante a diseñador perdió una ostra dorada y ahora debe de encontrarla en medio de lo descabellado que es un mundo más reflejo de su cabeza que de la realidad. Incluye grandes invitados que van desde Steve Buscemi hasta Paul Dano.

El secreto de sus ojos (Disponible en Star+) Mi adorado Ricardo Darín protagoniza esta película maravillosa que se ha convertido en un clásico y no ha envejecido ni un solo día. Se trata de un trabajador del poder judicial de Argentina que tiene que resolver el caso de un brutal asesinato: ¿cómo llegar a descubrir quién lo hizo cuando todo está en su contra? Lo que sucede a través de 25 años nos deja anonadados, y tiene los últimos 15 minutos más impactantes del cine contemporáneo. Y no necesita efectos especiales, sólo una gran película con grandes actuaciones.

Elvis (Disponible en Max) La cinta más reciente dle tío Baz Luhrman (no confundir con Buzz Lightyear) en donde nos trae el biopic áltamente estilizado de una de las grandes estrellas de la música internacional, con la cinta que puso en el radar a Austin Butler.

Siempre Reinas (Disponible en Netflix) Lucía Méndez, Laura Zapata, Sylvia Pasquel y Lorena Herrera nos traen la primera temporada de la que se deriva la segunda. Se trata de un reality show de divas mexicanas que sí se suben a un banquito y se marean. O bueno, en este caso, sí se han visto en los cuernos de la luna pero las ponen en un lugar muy de divas y hace que el drama esté presente. Las dos temporadas tienen intriga, pleitos y pelucas volando. Se van a divertir.

Sobreviviendo mis XV (Disponible en ViX) Una de las grandes revelaciones del año pasado, con cine comercial bien hecho y al alcance de todos, en donde una jovencita de clase social escalante y pujante debe de hacer los ritos propios del cambio de edad, combinando las viejas tradiciones familiares con lo que ella cree que se espera en su nuevo círculo cultural. 

Esta entrega fue traída gracias a:

Productora Ejecutiva Honoraria: Blanca López

Productor Asociado: Juan Carlos Toledo Pérez Núñez

Co-Productor: Dany Saadia
Co-Productor: Logan Mayer
Co-Productor: Óscar Campos
Co-Productor: Román Rangel

Agradecimiento especial a nuestros Patreons: Adriana Fernández, Agustín Galván, Odeen Rocha, Jaime Rosales, Juan Espíritu, Luiso Uribe, Zert, Álvaro Vázquez, Arturo Manrique, Lau Berdejo, Alejandro Alemán, Arturo Aguilar, Enrique Vázquez, Ernesto Diezmartínez, Luis Gallardo, Jorge I. Figueroa, Luis Macías,Mariana Padilla, Tania RG y Fernando Alonso.

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11 de junio de 2024

FICG 39.12 - Sustos, fotogramas y algoritmos con Checo Varesse

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Seguimos con nuestra cobertura del FICG 39 y compartimos momentos del Master Class impartido por Checo Varesse enfocado en su experiencia como cinefotógrafo de cine de espantos, así como la aparición de temas como los malditos algoritmos que amenazan al cine. 


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FICG 39.11 - De festivales e industria con Edgar Apanco

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En esta ocasión tenemos el honor de charlar un poco con Edgar Apanco sobre sus impresiones de este festival, así como su relación con la industria y la conexión y relación que hay entre estos elementos.

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FICG 39.10 - Despierta Mamá

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Seguimos con nuestra cobertura del FICG 39 y tenemos comentarios sobre una proyección especial de la cinta panameña Despierta, Mamá. 


La cinta escrita, dirigida, producida y estelarizada por Arianne Benedetti es... peculiar.  La historia (registrada como thriller según el catálogo del festival) nos habla de una niña desaparecida en un pueblo pequeño en medio de la montaña. La madre desesperada la búsca mientras distintos secretos salen a la luz. 

La primicia nos habla de un tema serio, uno muy explorado por el cine nacional, por lo cual me interesaba ver esta ficción con una sensibilidad distinta. Cual va siendo mi sorpresa al encontrar resultados tan dispares entre temática, propósito y resultado. 

El personaje interpretado por la misma Arianne es una chef respetada que por razones no explicadas se retira de la ciudad para vivir en una pequeño poblado, alejado de grandes ciudades, en donde está con su hija. Entre la presentación y la acción detonante (la desaparición de la hija), vemos distintos elementos que en teoría ayudarían a tener una historia interesante con distintos matices. Desafortunadamente la integración o incluso secuencia lógica no está presente y tenemos detalles tan cuestionables como que la actriz se encuentra con un amigo de la infancia con el que tuvo su crush, para así de la nada casarse (seguro ya sabrán quien es el padre de la niña perdida), formar una vida, y cuando se revela que el reaparecido JP tuvo cáncer, la mayor preocupación de nuestro ilógico protagonista es reclamarle ya que ¿cómo se atreve a tener cáncer y traerle esta gran pena a ella y a su hija? Claro, segurito fue por decisión propia y para joderle la existencia. 

Al ver estos elementos decidí apagar mi cerebro ya que el guión carece de lógica en muchos detalles y se vuelve más emocional. Desafortunadamente esto no justifica cuesiones como que, en un tema tan serio como la búsqueda de una niña desaparecida, el jefe de policía tenga la personalidad del Jefe Gorgori de los Simpson, mostrando gran ineptitud, y que incluso en diálogos dice que lo tratan como punching bag. Esto hace que en lugar de thriller o drama, la cinta parezca más comedia involuntaria, y el hecho de que tiene manejos melodramáticos hace que la aparición inoportuna de la música en lugar de agregar impacto, nos lleve a manejos más cercanos de la parodia de telenovela, a pesar de que a nivel imágen, se cuenta con seriedad y cuidado. 

A esto podemos continuar con que todos los personajes masculinos están desdibujados, siendo inútiles en su mayoría, causan pesares (es que en serio, ¿cómo se atreve uno a tener una enfermedad mortal solo para joderle la vida a alguien?), o ta vez sirvan para tener un poco de redención a pesar de haberse mostrado como posibles culpables de un crimen, lo cual sería interesante si no es porque se muestra caricturizado. 

El mal manejo de tono definitivamente va en detrimento de una producción que tiene puntos positivos,  pero que refuerza un poco el punto de que cuando uno está tan cerca de la obra (escribiendo, dirigiendo, produciendo o interpretando), se necesitaría un contrapeso para cuestionar decisiones que debieron ser revisadas en tratamientos de guión. 

Confieso que no vi completa la cinta, por lo cual si en el mero final, después de la resolución de si se encuentra o no a la niña perdida, resulta que la famosa mamá del título estaba en coma y despierta, y por lo cual todo fue un sueño, lo cual justificaría el terrible manejo de personajes al acercarlos más a la caricatura que a algo creíble, termina por justificar el manejo, pues ya me lo perdí. Aunque así fuera, eso para nada justifica el manejo de una historia que merecía un desarrollo mejor. 
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10 de junio de 2024

FICG 39.09 - El silencio de mis manos

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Seguimos con nuestra cobertura del FICG 39 y tenemos cine documental mexicano con El Silencio de mis Manos.


Gran documental en donde seguimos la historia de Rosa y Saira. La primera estudia para lograr ser abogada. La segunda confronta su identidad de género en búsqueda de su transición. Ambas son parejas. Ambas son sordas. 

Esta cinta busca narrar aprovechando el lenguaje audiovisual las experiencias, limitantes y lo rico y vivo que es el entorno en el que se mueven nuestras protagonistas, a pesar de tener muchos elementos en contra, debido a sus limitaciones físicas. A pesar de ello, tanto su relación como su espíritu las llevan hacia adelante mientras encuentran su lugar en este mundo, juntas, desde luego. 

El trabajo del equipo encabezado por Manuel Acuña Arellano es sobresaliente, al poder hacer que el espectador empatice y sienta el mundo de nuestros personajes, de manera más efectiva que cinta de horror mexicana reciente en donde te dejaban hasta sordo... o pretendían hacerlo, buscando de manera menos lograda lo que hace este más humilde documental. 

Un pero quizás viene para la parte del cierre, el cual pudo ser un poco más breve al eliminar algunas secuencias, pero para nada demerita el gran trabajo en esta cinta. 

El documental se presentó en la Cineteca FICG este lunes 10 de junio.
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FICG 39.08 - Un mexicano en la luna

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Seguimos con nuestra cobertura del FICG 39 y seguimos con las producciones hechas en el meritito Jalisco.


Simón es un periodista que trabaja para el periódico local y desde hace tiempo no ha logrado una nota que le traiga reconocimiento, y sus descubrimientos están más cercanos al amarillismo que al respetado periodismo. De pronto le llega un rumor, y es que mientras que el hombre se aproxima a la Luna para dar su primer paso en nuestro satélite, este mismo parecería que viene de un lugar que nadie sospecharía. ¿Acaso el mismo Güero Armstrong es originario de Llano Grande, un pueblitio al sur de Jalisco? Simón tendrá que investigar en lo que podría ser la nota del siglo. 

La cinta escrita por Francis Levy Lavalle y terminada por Techus Guerrero y José Luis Yáñez tras el fallecimiento de Francis, es una comedia ligera, de tipo familiar, cumplidora y efectiva. El cast variadito, encabezado por el mismo Héctor Jiménez, acompañado por figuras televisivas reconecidas de ayer y hoy, que van desde Roberto Ballesteros hasta Ausencio Cruz, nos ayuda a ilustrar un pueblito simpático y colorido, en donde se desarrolla la búsqueda de la verdad, ya que como el personaje de Simón nos recuerda a cada rato, "la labor periodísitca es la búsqueda implacable de la verdad", y en esa verdad podría estar el orgullo secreto de Juanita, quien es la orgullosa madre del Güero Armstrong. 

La cinta toma fórmulas básicas y las ejecuta eficientemente, logrando además aportarnos secuencias emocionantes que empiezan con una persecución en calles empedradas de patrulla contra bicicleta, pero de pronto hasta avionetas tenemos mientras nuestro desafortunado héroe busca escapar de los intereses de quienes no quieren que se descubra la verdad. 

Definitivamente una muy agradable cinta, de esas que nos recuerdan que el cine mexicano ubicado en provincia puede ser mucho más rico que la típica comedia sexosa polanquesca desabrida. 

La cinta se presentó en Cineteca FICG y la Plaza de liberación este lunes 6.
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FICG 39.07 - The Bikeriders

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Seguimos con nuestra cobertura del FICG 39 y tenemos una función de gala dentro del festival, con el caso de The Bikeriders (El club de los vándalos)


En esta cinta tenemos la adaptación de un libro que da seguimiento, a través de distintos testimonios, a "la época de oro del motociclismo" en Estados Unidos. ¿Cómo surgió esto? Señor aburrido, ve película y decide que para confrontar su crisis de la edad madura, puede hacer un club de motociclistas. Todo bien, empieza a crecer todo, hasta que debido a la cantidad de personas interesadas en ser miembros, esto se sale de control, y con eso lo que empezó como algo más inocente, termina causando desgracias debido a los vándalos presentes en la cinta de Jeff Nichols. 

La película, la cual pasó un viacrucis para encontrar distribución, es una muy agradabel sorpresa. La inclusión de figuras reconocibles como Austin Butler, Tom Hardy o Michael Shannon ayudan a esta narrativa contada por la misma Jodie Comer, quien con su visión, a través de las entrevista, nos lleva a conocer la evolución de este club de motociclistas. 

Grandes actuaciones, una historia atractiva, y un acercamiento a grupos reconocibles, temidos por algunos, e idolatrados por otros. Todo en esta cinta que la verdad, vale mucho la pena ver.
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FICG 39.06 - El Sueño de la Sultana

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  Seguimos con nuestra cobertura del FICG 39 y toca turno de hablar de animación española de la mano de la cinta de Isabel Herguera, El Sueño de la Sultana. 

La cinta se basa en un cuento feminista indio de allá de principios del siglo pasado, el cual cae en las manos de una directora de animación española llamda Inés (cualquier parecido con la directora, es mera coincidencia). Al descubrirlo, queda fascinada y su vida tiene varios cambios. Desde su separación de su amante indio, pasando a un reencuentro con su padre (también director), quien curiosamente sugiere hacer una historia curiosamente aprecida al Sueño de la Sultana.

Y a todas estas, ¿de qué trata la famosa novela que ha causado tanta inspiración? Tenemos un país imaginaro dominado por el género femenino. Algo particularmente transgresor en el país en donde se encuentran y lleva a la misma Inés a buscar más información sobre la autora mientras busca nutrirse para llevar esa historia a la gran pantalla. 

Técnicamente la cinta cuenta con grandes valores en el manejo gráfico y distintivo, que lleva desde los trazos gruesos, pasando por emulación de acuarela o incluso incorporando garabatos estilizados para narrativas dentro de la historia. La cinta se animó principalmente combinando After Effects con los diseños d ePhotoshop para lograr este estilo tan particular. 

A nivel narrativo, la cinta despierta el interés desde el inicio sin embargo para el último tercio se cae el ritmo y aunque busca lograr transmitir imágenes poderosas, no terminan de lograr el impacto buscado. Esto se ve un poco agrabado debido al hecho de que la cinta se vuelve repetitiva, ya que en varias ocasiones insiste en lo interesante y transgresor de la ficción que inspira a Inés, pero uno se puede cansar de tanta repetición que no llega a nada sobre la fantasía del dominio femenino. Definitivamente hay mejor manejo incluso en los cómics de Wonder Woman por Grant Morrison en donde fuera de la primicia, se busca explorar nuevos terrenos, mientras que en la cinta, no pasa de una venganza con cambio de roles para que los hombres estén encerrados mientas las mujeres salvan al mundo. Una fantasía que no se sostiene con nada a nivel narrativo, y en donde se olvidan las lecciones. Claro, cintas más comerciales como la misma Barbie han tocado el tema, pero tristemente me falta por ver algo donde se vea esta supremacía femenina que muestra un mejor camino, ya que se siguen los pasos de la búsqueda de retribución en lugar de lograr un mejor mundo. 

La película se exhibió este domingo 9 en la Cineteca FICG y estará le martes 11 en Cinépolis Centro Magno.

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FICG 39.05 - Buen Salvaje

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Seguimos con nuestra cobertura del FICG 39 y en esta ocasión toca comedia loca en lo que parece ser el "Verano de Naian Gonzalez", ya que es la segunda película que veo con la actriz en este festival. 




Una pareja gringa, de esas privilegiadas, en donde Maggie es una escritora que no encuentra inspiración para su novela ya que "es imposible hacerlo en medio de la maquinaria capitalista", y su esposo Jesse, es un "cineasta experimentalista" cuyos videos han sido vistos en grandes festivales como... su perfil de Vimeo, deciden que lo mejor que pueden hacer es ir en medio de la nada en otro país, y gracias a la magia de Airbnb encuentran una casa en medio de Las Cañadas, Jalisco, para ese retiro creativo que tanto necesitan. El llegar, conocerán la gente del pueblo, y empezarán las situaciones que los podrían llevar enredo tras enredo a meterse con quien no deberían hacerlo, para tener finales casi casi de telenovela. 

Creo que no me había reído tanto con una película mexicana festivalera en mi vida. La obra, como película no necesariamente funciona del todo, siendo más larga de lo necesario, sin embargo, cuenta con suficiente ingenio como para sobrepasar estos detalles y crearnos un reflejo de visiones de tiempos y personas mejores. 

La estética de la cinta, más cercana al video casero de antaño, gracias al manejo de imagen en formato 4X3 (cuadradito), frecuencia de cuadros o incluso la inclusión de efectos más cercanos a videohomes de los 90's, ayudan a explotar la riqueza menospreciada de la producción nacional y la adecuán a una cinta enfocada a "públicos más respetables", más cercanos a la división en capítulos o metanarrativas más cercanas a autores hipsteriles como el mismo Wes Anderson que a obras de los Almada.

El juego de improvisaciones es muy divertido ya que al caer en regionalismos, que van desde el "mexicano que busca sacarle varito y aprovecharse del gringuito", pasando por la siempre presente influencia del narco en ciertas comunidades, y llegando incluso a clichés melodramáticos telenoveleros, dan una mezcla que en teoría no debería de funcionar. Si a esto le agregamos que es resultado de un experimento pandémico, en donde actores y miembros del crew se encerraron en un rancho a grabar mientras padecíamos este evento que nos llevó al aislamiento, daría para cosas más depresivas, pero aquí es exactamente lo contrario. 

Las combinaciones de buenas actuaciones (Naian siempre genial), con clichés narrativos cercanos a novela erótica femenina (que es a donde va a caer su propia narrativa), y como se entremezcla con la realidad del pueblo y las malas actuaciones para la ficción que está siendo grabada por su esposo, el pobre y menospresiado Jesse, contrastan creando explosiones de sinsentidos tremendamente divertidas. Todo eso para que al final tengamos una obra mas Avant Garde que la obra de Godard, y que culmina con "un western, pero expresionista" como resultado de todas las piezas combinadas. 

La cinta se presentó el domingo 9 en la Cineteca FICG, y se podrá ver este lunes en Cinépolis VIP Midtown acá en Guadalajara.
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FICG 39.04 - El cuerpo del delito, los delitos del cuerpo (con Román Rangel)

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Seguimos con nuestra cobertura del FICG 39 y en esta ocasión Román nos habla sobre un libro interesantísimo presentado en el festival: El cuerpo del delito, los delitos del cuerpo.


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9 de junio de 2024

FICG 39.03 - Corina (con Ernesto Diezmartínez, Sócrates Ochoa y Óscar Chavira)

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 Seguimos con nuestra cobertura del FICG 39 y tenemos una muy grata sorpresa con esta ficción nacional que compite por el Premio Mezcal y Hecho en Jalisco, dirigida por Urzula Barba Hopfner. 



Corina es una chica agorafóbica cuya vida transcurre en un recorrido no mayor a cuatro cuadras. Dentro de su microcosmos tiene su tienda de confianza, su trabajo y su casa. ¿Su tabajo? Ser correctora de estilo del libro erótico vaquero publicado por una editorial de medio pelo que es tolerada pero que no es redituable por el periódico que mantiene el changarro. 

Corina tiene gran talento pero debido a su personalidad se mantiene oculto, ya que ella misma hace sus propias versiones de las historias que adapta, las cuales son amadas por su madre, la cual decidió jamás salir de su casa tras la muerte de su padre, por lo cual Corina es como es, heredando este miedo al exterior y desde luego a la aventura. 

Desafortunadamente se da un incidente, y Corina deberá de salir de su zona de confort, ya que este error podría costar la vida de la editorial, y para hacerlo deberá de contactar a la escritora más famosa que es publicada en su trabajo, la cual en su último libro entregó un final que seguro decepcionará a todos, causando quiebra y pérdida de empleso. Y solo Corina podrá salvarnos... si es que se anima a salir de sus cuadras. 

Esta cinta es un gran trabajo, con drama personal, tintes de comedia y una gran aventura. El trabajo de guión es brillante y se nota que hubieron varias revisiones del mismo, lo cual se agradece ya que solo enaltece el trabajo de todo el equipo. La historia sirve como un requiem o una carta de amor a la industria editorial, con detalles que nos dejan en un limbo temporal que pudo ocurrir a inicios del 2000 (con Xindows XP y Macs de colores en las oficinas), CDs y camionetas de esas que queman mucho combustible, y es la atemporalidad que también hace que funcione muy bien en cualquier ciudad y cualquier contexto. 

Dentro de la genialidad de la historia tenemos dilemas como el hecho de que Corina como correctora de estilo es capaz de encontrar errores en su misma vida y podría hacer lo mismo con ella que hace con los textos, y esto mismo nos lleva a interrogantes como si un lápiz rojo es capaz de revivir a los muertos (¿literal y metafóricamente?), y sobretodo un cuidado del menguaje, ya que como la misma cinta dice, las personas "somos mucho más que el lenguaje que usamos para describirnos).

Definitivamente una gran cinta, muy femenina, con gran tabajo del talento actoral, la misma Urzula dirigiendo, y el trabajo de guión de la misma Úrzula junto a SamuelAlejandro Sosa Derat. 

La película se exhibió en la Cineteca FICG este sábado 8 de junio pero estará el domingo en el Cineforo, el Lunes en Cinépolis VIP Midtown, y el viernes 14 en el Museo Cabañas. Si estás en Guadalajara definitivamente ve a verla. Se espera su estreno comercial para Octubre de este año y tiene todo para tener gran aceptación por el público fuera del festival.

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FICG 39.02 - Lachatao (con Román Rangel)

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Seguimos con la cobertura del FICG 39 y seguimos con algo de documental mexicano.


En la categoría de "largometrajes que pudieron ser un corto" queda el nuevo documental de Natalia Brushtein Erenberg. En esta cinta la directora y su equipo exploran un pequeño pueblito, mientras sigue la vida de algunos miembros de sus comunidades en una comunidad que se está quedando poco a poco sin gente debido a la migración, y a que los que se quedan, con la edad y el paso del tiempo, pues van falleciento. 

La historia podría ser interesante si hubiera una historia qué contar más allá del registro en cámara lenta de un fenómeno muy presente en varias comunidades. Esto no le quita mérito, pero o hay algo que le de una justificación y despierte el interés por parte de la audiencia. 


En la narrativa se busca incluir elementos que puedan ayudar a tener algo circular pero no se logra. Tal vez no se tuvo la oportunidad de conocer a alguien que sirviera como ancla y esto se qeuda más cercano a una muestra estadística que a una historia que valga la pena contar.


El documental se presentó el sábado 8 de Junio en la Cineteca FICG, y se podrá ver el domingo 9 en el Cineforo y Lunes 10 en Cinépolis Centro Magn
o.


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FICG 39.01 - Fox & Hare Save the Forrest - El Zorro y la Liebre Salvan el bosque

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Arrancamos con la cobertura del FICG 39 y toca hablar de bonito cine para toda la familia.



Presentada en la Berlinale de este año, esta coproducción entre los Países Bajos, Bélgica y Luxemburgo nos trae una bonita cinta familiar animada que tiene un look de stop motion (animación cuadro por cuadro), aunque hecha con Unreal Engine y animada en Maya,  nos habla de la importancia de la amistad y el bien mayor. 

Un castor finalmente ha culminado la obra de toda una vida y terminó de construir una represa... el problema es que la hacerlo, un bosque es inundado y la vida de los animalitos que viven ahí queda en peligro. Buho se pierde y Zorro y Liebre de dan a la tarea de buscar a su amigo y es entonces que descubren la obra del Castor. ¿Podrán convencerlo de que cambie sus acciones para no afectar la vida en el bosque?

La cinta tiene una historia sencilla pero eso no significa que sea plana o, como tristemente pasa en el cine de otras latitudes (te hablo a ti, cine animado infantil mexicano), no trata al espectador como idiota, ni trata de meter humor de doble sentido a discreción. Sabe cual es su propósito y lo cumple con un muy cuidado trabajo animado y hasta canciones para poner de buenas a toda la familia. Algo muy refrescante que muestra que aunque uses nombres tan génericos en los animales, no necesitas de tener el respaldo de una marca registrada para crear simpatía con nuestros protagonistas, desde el mismo Zorro, hasta las simpáticas Pi-ratas.

La película se proyectó el sábado 8 de junio pero se podrá volver a ver el lunes 10 en Cinépolis Centro Magno en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara.

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28 de mayo de 2024

V de Víctor

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 ¿Cuál es el perfil que define el tipo de obras que crea un estudio? Warner Bros durante décadas mantuvo la reputación de ser el lugar en donde se apoya a los autores, Disney se enfoca en público familiar, A24 (el héroe de moda) hace películas "maduras", y Star+, lo que queda de la Fox en producción para México y Latinoamérica parace enfocarse en cintas familiares, al menos en sus obras originales hechas en nuestro país.

V de Víctor se enfoca en la historia de un "cuidaviejitos" de un asilo, el cual lleva una existencia sin grandes aspiraciones, hasta que en su cumpleaños, su hija se entera que antes fue boxeador "y de los buenos". Es entonces cuando la cinta deja de enfocarse en nuestro otrora héroe para enfocarse en "lo que hacemos por nuestros hijos", ya que las acciones de la niña lo forzarán a que se vuelva alguien respetable y recupere su carrera, aunque sea solo para que cuando le toque invitarlo para que hable en su primaria, dé de qué hablar y no la deje en verguenza.

Disclaimer: de esta cinta no recuerdo haber vist su trailer y solo recordaba un poster con la figura del buen Memo Villegas (quien seguramente en un año o dos hará que los detractores del cine mexicano digan que sale hasta en la sopa, siguiendo la tradición de Higaredas, Chaparros, Derbezes y Bichires. Solo sabía que habría algo de box en la cinta y nada más.



Si el poster mostrara una imágen en donde vemos las relaciones familiares y cómo el apoyo de sus amigos hacen que Víctor recupere su carrera, tal vez me sentiría menos defraudado. La cinta no es lo que esperaba (ni tiene que serlo), pero no hay una comunicación clara en sus promos, en donde más que ver un Creed a la mexicana, tenemos "niña metiche 37 que por inseguridades hará que haya montajes sin sentido para mostrar que un boxeador retirado tiene lo necesario para volver".

¿Es mucho pedirle a las cintas infantiles o familiares que tengan un mejor desarrollo o al menos consistencia para darle credibilidad a su historia o personajes? ¿O les perdonamos todo al cabo el públic no es exigente?

El comparativo con Creed no es gratuito, especialmente con la tercera parte, ya que estilísticamente la cinta le toma elementos prestados, con una mega pelea en donde se definirá el destino de los contendientes... excepto que la pelea de nuestra cinta región cuatro es entre un olvidado boxeador que peleó una pelea con el campeón literalmente por "una cagada", y no es exageración (spoiler a continuación), ya que nuestro aspirante se dejó vencer y se deja caer a pesar de no recibir un golpe (siguiendo la tradición de penales marcados a favor del América), debido a que... le andaba del baño. Y este tipo de detalles se hacen presentes en la cinta, buscando "momentos simpáticos o divertidos" que en realidad demeritan a nuestros personajes, volviéndolos un chiste de mal gusto que gustará a quienes gustan de los chistes de pipi y popó.

Si Star+ hace cintas familiares, falta que definan mucho mejor su perfil, ya que el lenguajde de la misma cinta hace uso de frases que no son precisamente para todo público, con expresiones como "esa mamada qué", o "pártele todita su madre", por lo que, a menos que la edición para streaming tenga algo de censura, pues... se rompe la línea en realidad inexistente del estudio.

Al ver la cinta sentía una sincera frustración. No necesariamente porque la proyección en el Cinépolis de mi terruño (San Juan de los lagos) nunca está bien encuadrada y siempre le cortan las partes de arriba y abajo a la proyección, sino porque la cinta desperdicia talento en cámara y edición en una historia que no lo merece. Un trabajo técnico cuidado en estos sectores que se ve entorpecido por la narrativa soez de la cinta, pero ¡no importa! ya que tendremos a figuras como Pocholo, César Bono o el mismo Joaquín Cosio, que tristemente se ve más ad hoc a las generaciones de estos venerables actores de edad mayor, y con un personaje que de la nada resulta que tuvo un sueño de que... ¿su entrenado ganara una pelea?

Finalmente, y mi mayor queja con la cinta (la cual claramente tenía un enfoque muy distinto a lo que yo quería ver, pero nuevamente, no es su culpa), tiene que ver con el manejo de la pelea de box. Claro, tenemos montajes divertidos de entrenamiento en donde los viejitos del asilo en donde trabaja el Víctor le ayudarán, y habrá secuencias que desafían la lógica de los golpes al mejor estilo de Karate Kit, pero... la pelea final debría sentirse importante, y nuestro personaje debería de ganarse su derecho a la misma, para recuperar su honor. Esto no pasa ya que, tendrá su oportunidad, solo porque sí. Entrenará para recuperar su condición, pero nunca en un gimnasio real o peleando con alguien para medirse, solo porque sí. Se lastimará la mano cuando un pedazo de madera ligera lo toca suavemente y "casi se rompera la muñeca" (inserte referencia de clavado de futbolista aquí), solo porque sí. Ah, pero se recuperará lo suficiente y entrenará solo con la otra mano para ser capaz de llegar a la pelea... solo porque sí. Todo para que al final, en el combate, nada de esto tenga peso, use ambas manos, su second lo traicione para favorecer al campeón (solo porque sí), y al final hasta gane... solo porque sí.

Esta cinta fue una tremenda decepción y un ejemplo de que, si bien las fórmulas de taquilla sugieren que debemos hacer cintas familiares para que vaya todo tipo de público, pues debemos de cuidar las historias y ofrecer algo que no sea tan olvidable. Si la cinta se hubiera enfocado en contar una historia únicamente enfocada en el boxeo, lo cual parece buscar por momentos, y hubiera tenido varias revisiones de guión, hubiera logrado algo mejor que una cinta que buscaba apelar a más audiencias pero quedará relegada a curiosidad de streaming en lugar de cinta digna de verse en cartelera. ¡Hey! Tal vez ese es el perfil de las películas de Star+.

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19 de mayo de 2024

X-Men 97 y cuando todo es importante, nada es relevante - The Dailies 113

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 Terminó la primera temporada del relanzamiento de la serie animada de los X-Men y a menos que seas un amargado, seguro disfrutaste enormemente la serie que te trajo recuerdos de tiempos más inocentes y mutantes más poderosos. ¿En realidad fue tan buena la serie? ¿O solo es mejor que lo que hemos tenido en la oferta de Marvel en los últimos años? De eso y más hablaremos en esta entrega de The Dailies.

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Bienvenidos a The Dailies, el único programa en donde nos ponemos a darle la contraria al gusto de las mayorías solo por deporte. Miren nada más esta musculatura, solo de jugarle de abogado del diablo, paps.

 El regreso de la versión animada de los X-Men, profetizada en la fallida cinta del Doctor Centella en el Multiverso de la Locura, gracias a la aparición gratuita de un profesor Xavier encarnado por Patrick Stewart en una silla y con un tema musical que nunca usó en las películas en que apreció, mostró lo que las audiencias querían, aunque esto estuviera en medio de una narrativa fragmentada y no bien ejecutada. ¿Cómo es que esto puede aplicar a los 10 capítulos excelsamente mostrados en esta primera temporada de los X-Men 97, o que vendría a ser la sexta temporada de la serie iniciada en los noventa?

 En la mejor época de los Hombres X en los cómics, Chris Claremont estableció el tono telenovelesco de los personajes, en donde se alternaban las grandes aventuras en el espacio, inframundo, islas con dinosaurios o contra otros mutantes, y a su vez expandía el universo mutante gracias al uso inteligente de tramas y subtramas. Uno de los mejores ejemplos fue la Saga de Fénix Oscura, la cual ha fracasado en ser trasladada adecuadamente a la gran pantalla, pero que tuvo casi toda la temporada tres de la serie animada para desarrollarse, con uno que otro episodio para explorar otras historias. Las semillas para la saga de Fénix, tanto en su versión verde como rojo “mira que mala soy” se fueron plantando y desarrollando poco a poco para tener el desarrollo e impacto suficiente en el espectador, así como en su momento lo tuvo en los cómics.

 Es aquí en donde encuentro la mayor deficiencia que tiene la nueva versión de la serie animada. Sí, claro, mira, tenemos muchos cameos que hace que los chavorrucos se vean fascinados por “el gran conocimiento en personajes y datos inútiles” que tuvieron los creadores de las series, y con lo cual dichos espectadores se sienten validados y a su vez validan un producto que haría más evidentes sus problemas si no fuera por los huevos de pascua y referencias metidos por aquí y por allá.

 Platicando con un camarada, le preguntaba cuál fue el arco narrativo principal de esta temporada de 10 episodios con el regreso de los mutantes favoritos… y la respuesta, después de algunas dudas, era “la relación compleja entre Xavier y Magneto”.  Solo que esto en sí es parte inherente de los personajes, y más que un arco narrativo es un pretexto para meter conflictos cuando no puedes solucionar las demás historias. 

¿Qué ocurrió en esta temporada? En el primer episodio tenemos el regreso de los mutantes en donde en un par de escenas, se establece en la animación lo que siempre supimos los que leíamos los cómics: Cyclops es el mejor líder de todo el universo Marvel, algo que el mismo Captain America reconoce. Tras establecer al equipo, tenemos a un Magneto que se vuelve líder del equipo después de la muerte de Magneto que nunca pasó, porque en el episodio 14 de la temporada 5 de los X-Men, Xavier muy enfermo le pide a su amigo que casi acaba con la humanidad que tome la rienda de su equipo, diciéndole “a ti, mis X-Men”, mientras que el pelón en llantas “cabalga hacia el espacio” en donde se recuperará gracias a que un hechicero, digo, una extraterrestre emplumada lo va a curar. Esto ocurrió un año antes del primer episodio de la nueva serie, en donde los personajes, como los fans, tienen memoria y continuidad selectiva.

 En otros eventos de la nueva serie tenemos la saga de Inferno, la cual se limita a un episodio, el regreso del Mojoverso… limitado a un episodio. La caída y destrucción de Krakoa, digo, de Genosha… limitada a un episodio. La muerte de Gambit. La pérdida de poderes de Storm, la cual tras pocos episodios regresa como si nada, pero con su traje clásico, y finalmente tres episodios inconexos en donde tenemos dos tramas principales peleando por tu atención mientras que ni el espectador ni los guionistas son capaces de distinguir cuál es el mayor peligro, ignorando las enseñanzas de Claremont, en donde te enfocas en una trama, mientras dejas cocinando a la par una sub trama, menos importante en este momento, pero que vas a explotar a tu gusto en el futuro.

 Ninguna de las acciones presentadas en esta temporada tiene impacto, mientras que todas las acciones buscan tener gran impacto. Cuando todo es importante, nada es importante y esto ocurre en la serie animada. ¿Gambit se sacrificó por nosotros? Ok, lo chillan dos minutos, y jamás vemos cómo su muerte afecta a los demás, o cómo le hace falta a su equipo el contar con sus habilidades o su incomparable carisma. ¿Tormenta perdió sus poderes? Perfecto, la sacamos de cuadro un rato, pero si la necesitamos, le hablamos, y que regrese con poderes, porque nadie la quiere sin rayos ni centellas… excepto que la etapa de Storm Punketa y sin poderes fue una de las mejores etapas del personaje, en donde se volvió verdaderamente peligrosa y la mejor líder de los X-Men para ese memento.  Y así podemos seguir con otros detalles como… ¿se dieron cuenta que destruyeron una isla llena de mutantes en donde ninguno en lo absoluto nos importó? Y en donde se mezclaron elementos de Krakoa con Genosha de manera gratuita, quemando cartuchos que harían futuras subtramas tener mayor peso en pro de la espectacularidad que no lleva a nada.

 Morph es el personaje que, gracias a que no depende de una contraparte del cómic, pudo tener un mejor desarrollo. De ser el pobre abusado por Sinestro, se convirtió en un personaje tan versátil que solito podría acabar con cualquier amenaza… excepto porque sus poderes solo son delineados de manera artificial. Cuando tu personaje tiene la capacidad de convertirse en Hulk cuando quiera, ¿por qué conformarse con ser alguien más? Los puristas dirán que no puede replicar poderes, solo apariencia, pero este es nebuloso y a conveniencia de los guionistas, más enfocados en mostrar cameos de personajes que no podrían meter de manera orgánica y libre de gluten en su historia.

 Mientras avanzaba la narrativa de X-Men 97 y se quemaban gratuitamente cartuchos, hubo avances positivos. El desliz psíquico de Cyclops con Madeline Pryor fue mejor contado en la animación, pero tomaron tantos elementos prestados de la relación de Cyclops con Emma Frost, que, si se llega a tomar esa trama en el futuro, carecerá de impacto porque… ya lo vimos antes.

 Grant Morrison era un experto en escalar las amenazas de sus villanos hasta que llegaba a un punto en donde no podía resolver. Le pasó con su Liga de la Justicia, le pasó con sus mismos New X-Men, y fue hasta Batman donde logró mejorar sus historias poniendo al combatiente del crimen en contra del mismo Darkseid, pero en todo momento iba escalando de manera gradual el peligro. En el caso de los X-Men parecería buscarse algo similar, pero este se termina encimando dentro de su misma historia. ¿Quién es la amenaza más peligrosa? ¿Bastión? ¿El mismo Magneto? ¿Alguien más? No hay problema, tenemos suficientes personajes para aventar en contra de cualquier villano y nos sobran. Total, los X-Men pueden contra cualquier amenaza global… tan global que el resto de los súper héroes se quedan parados sin hacer nada. “Son los X-Men, déjalos, ellos dicen que pueden solitos” seguro pensó el Capitán América o los Cuatro Fantásticos.

 Muchos de los guiones se ven trabajados de atrás para adelante. No me malinterpreten, para terminar de manera exitosa una historia, debes de saber hacia donde te diriges y tener el final definido para desarrollar cómo llegar a él. Sin embargo, historias como Fatal Atractions, la cual concluye con la cirugía mental en donde el profesor le apaga el cerebro a su mejor amigo (dejándolo mentalmente muerto, aunque siga respirando), después de que este extrajo el Adamantium de los huesos de Wolverine, cuando este trató de matarlo. Un momento… ¿el villano se defendía y deja grave, pero sin matar a quien lo acaba de apuñalar? ¿Y su castigo es muerte mental?

 Esta historia en los cómics se desarrolló en seis números, que en la moda de los 90’s, incluían tarjetita con holograma. Para la versión animada, no esperaría que fueran seis episodios, ni que fuera adaptación innecesaria del Hobbit, sin embargo, lo que fue impactante en el medio gráfico, se pierde completamente en la versión animada. Ese episodio en particular fue escrito con el final en mente, con Magneto “sacando el metal”, pero el impacto de esta secuencia se pierde completamente y Wolverine, como Storm antes, pasa a la categoría de “está grave, pero no te preocupes, seguro se recupera y seguirá igual que antes en la siguiente temporada”. No hay consecuencias. No hay impacto.

 Mientras se desarrollaba la historia, muchos fans apostaban a que este sería el preludio para que en la segunda temporada de X-Men 97 (o la séptima de la serie original, carajo, esta numeración es muy de continuidad de Marvel), en donde el gran villano sería Onslaught. Para quienes no lo sepan, este villano era básicamente “la maldad de Magneto” (la cual fue extraída cuando le apagó el cerebro quien se decía su mejor amigo) combinada con los poderes del Profesor Xavier. Tiene un diseño parecido al de un Magneto gigante con esteroides y armadura llena de picos y hombreras porque… eran los noventa. Dichos fans se patinaban con esto porque, de manera similar al Captain América de las películas, “entendieron esa referencia”, eso sin importarles que la historia fue muy mala en sí.

 Y es aquí en donde entra el factor nostalgia y cómo nubla el juicio crítico del espectador. El reconocer elementos que leíste hace casi treinta años en los cómics no te vuelve más inteligente, solo te muestra como anal retentivo.

 Recientemente salió otra entrevista en donde Alan Moore, probablemente el mejor y más grande escritor del noveno arte, se quejaba de varias cosas sobre el medio. Esto no es noticia, pero mientras más envejezco más concuerdo con las ideas de viejito barbón amargado. En los ochenta, gracias a la invasión británica, el medio del cómic avanzó impresionantemente. Entre Moore, Morrison, Gaiman y otros se logró establecer al medio como algo que más que potencial, tenía capacidad. Desafortunadamente tras eso, llegaron los noventa en donde el gimick y la espectacularidad se basaba en hacer un “Batman que mata” (Azrael), matar al inmortal (Superman), y fue el periodo comercialmente más exitoso de los mismos X-Men. Este entretenimiento en su momento fue planteado para un sector en particular. Quienes tuvimos la suerte de ser adolescentes en esos momentos, pudimos ver grandes historias y muy malas historias, algunas tan malas que llevaron a la bancarrota a Marvel, por ejemplo.

 El regreso de los X-Men retomando en donde se quedó en los noventa, reciclando historias de los cómics, más que tener un trabajo de adaptación, muestra que cómo espectadores, muchos han quedado encasillados en un periodo del que no quieren salir. Les trae el confort de tiempos mejores en donde se pueden recluir para evitar confrontar otros temas. Esto puede ser saludable cuando se es consciente de ello. 

¿Para qué público estaba destinado este retro-regreso animado? No para nuevas audiencias. Esas ubican más a las películas, las cuales ya llevan más de dos décadas y nuevas versiones de los personajes. No es para nuevos espectadores, los cuales prefieren enfocarse en creaciones más ad hoc para sus propias generaciones, las cuales usualmente vienen en forma de animé. Este es un producto para jóvenes Gen-xers o viejos millenials nostálgicos que se niegan a madurar, o al menos buscan el refugio de algo en lo que prefieren encasillarse. Aquellos que creen una novela, cuando en realidad es un compilado de cuentitos que te están revendiendo como “novela gráfica”.

 Y al final, X-Men 97 es un regreso exitoso para llenar un vacío creativo en el mismo Marvel. Es triste que, en lugar de presentar de mejor nuevas apuestas, porque sabemos que el consumidor prefiere el confort de lo “malo por conocido”, traigan el recalentado retrasado de un producto de otra época. Su adaptación en donde comprime narrativas en pro de un “mayor impacto”, el cual como vimos, es irrelevante, pone en manifiesto que incluso en medios más establecidos, la fórmula de youtubers de “te explico una película en unos minutos”, o “te muestro las referencias que deberías de conocer”, más que una moda pasajera, se apropió de medios más elevados que no deberían recurrir a esos recursos. Claro, disfrutemos esta entrega de los mutantes menos temidos y odiados, pero también revisémosla con una visión más crítica que el simple confort del entretenimiento casual.

Esta entrega fue traída gracias a:

Productora Ejecutiva Honoraria: Blanca López

Productor Asociado: Juan Carlos Toledo Pérez Núñez

Co-Productor: Dany Saadia
Co-Productor: Logan Mayer
Co-Productor: Óscar Campos
Co-Productor: Román Rangel

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15 de mayo de 2024

La consolidación de las ofertas de streaming

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Gracias a los anuncios de los últimos días, muchos andan haciendo comparativos en que los nuevos paquetes de streaming en conjunto que se lanzan en Estados Unidos nos están regresando a la época de las cableras. Para este episodio de Noticias de Tecnología Express, explico porqué no, y en donde está el beneficio para quienes arman los paquetes. 


Versión en audio




Análisis: 

El trabajo en conjunto de dos plataformas exitosas en el terreno del streaming puede interpretarse de varias maneras. Los cínicos pueden alegar que estamos regresando a los modelos de distribución más cercanos a las ofertas de cable que a la libertad de opción del streaming.

Este tipo de ofertas no es nuevo. MercadoLibre ha ofrecido precio preferencial a plataformas cuando tienes contratado, oh sorpresa, un plan de suscripción con el mercado digital. Básicamente en lugar de pagar completo al servicio de streaming, una parte se va a quien ofrece los paquetes, y a cambio de da una opción aparentemente más barata… a cambio de que mantengas la suscripción con ellos, desde luego. No se mantiene antigüedad si contratas el mismo plan con el proveedor original, por lo cual quedas como rehén a disposición de un secuestrador distinto.

Dentro del reino del streaming pasamos por tres etapas. La inicial, en donde no se veía como un modelo de negocios viable, muchos rentaban su contenido barato a Netflix quien fue el primer jugador importante. Con el paso del tiempo, la Gran N Roja se previno buscando contenido original, ya que sabía que no podía depender de terceros, cosa que fue evidente cuando el acuerdo con Disney finalizó, e incluso las coproducciones originales salieron de la plataforma y ahora están en la casa del ratón. Esto ocurrió en la segunda etapa, en donde, tras ver el éxito de Netflix, y el cómo al ser valorada como empresa de tecnología y no como estudio de producción, generando grandes dividendos a pesar de perder dinero, la mayoría de los estudios siguieron sus pasos.


En la segunda etapa, cualquier estudio que se respetara quería controlar a los usuarios y sus datos directamente. HBO Max, Disney+, Paramount+, MGM, y a nivel nacional ViX. En lugar de que un servicio de terceros recopilara tus datos de preferencia, con los cuales a través de un algoritmo mágico haría solo series exitosas, tú tendrías esa herramienta a tu alcance como ejecutivo triunfador. Con lo que no contaron la mayoría de estos servicios es que la jugada cambiaría, y los accionistas de Wall Street se dieron cuenta que, tras el arranque inicial, el éxito de una plataforma no se mide en número de suscriptores, sino en la cantidad de dinero que genera como ganancias, no como pérdidas.

Para esta tercera etapa, estamos en la consolidación. Los estudio se dieron cuenta que, para tener un negocio sostenible, este tiene que ser negocio. Pasamos de tener casi una decena de grandes estudios para tener adquisiciones en donde Disney compra a Fox, Amazon a la Metro Goldwyn Mayer y Paramount podría ser propiedad de Sony, y los grandes jugadores son Apple, Amazon y Netflix.

El modelo de las cableras sigue siendo el que genera más dinero a los estudios. Acciones como el que Disney cerrara sus canales en televisión o radio en varios países son cuestionadas ahora debido a que Disney+ no genera más que una fracción de los ingresos perdidos. ESPN era el gran impulsor de suscriptores a modelos tradicionales y las transmisiones de eventos en vivo, como los deportes, es la siguiente gran apuesta.

¿Cómo se benefician las empresas al ofrecer paquetes de suscripción combinados? Buscan eliminar a terceros como Charter en Estados Unidos, o Cablevisión en México, para que los ingresos por la venta de sus transmisiones les lleguen directamente a ellos. Al mismo tiempo, las transacciones por pagos se pueden ver reducidas, y mantienen como rehén al suscriptor, ya que, si bien un mes puede ser que no tengas nada de interés en tu plataforma de Disney, te volviste adicto a la serie de dragones de HBO, y no te convendría cancelar el combo que te debería ahorrar dinero, aunque en realidad solo uses una de las tres plataformas incluidas. Esto es similar a las ganancias que se obtenían por los canales pequeños de variedad, vida o estilo, que eran financiados gracias a las suscripciones generadas por los canales deportivos.

Lo interesante del caso es que ahora el consumidor tiene más y mejor acceso a los contenidos a lo que tuvo en años pasados. ¿Quitaron una serie de tu plataforma y solo se puede ver en formato físico el cual no tienes ya que confiabas en tener todo siempre en streaming? Es un pequeño costo a cambio de tener muchas más opciones disponibles, así como la capacidad de cancelar servicios y solo mantener los que estás usando activamente, a diferencia de tener que cancelar todo el paquete de cable. Además de que, en formato tradicional, incluso en canales premium como HBO, tenías varios canales repetidos para ver casi a solicitud las series o películas marcadas como novedades del mes, mientas que en plataforma están solo a dos clicks de distancia, a conveniencia del espectador.

La mayor molestia que tiene el consumidor es precisamente algo que pidió durante años: mayor oferta y facilidad de elección a conveniencia. Al tener tantas opciones, entra la parálisis del espectador en donde prefieres ver repeticiones de algo conocido, que tener que decidir o, peor aún, buscar contenido disponible que no necesariamente es recomendado entre las 10 cosas más vistas de una plataforma. Compara el costo de tener que comprar un boxset de una serie con el costo de un mes en un servicio de cable o con lo que pagas al mes por una plataforma, y con selección inteligente puedes ahorrar mucho dinero en entretenimiento. Dinero que ya no llega a los estudios y productoras que deben buscar nuevos recursos para seguir siendo sostenibles en una economía digital.
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12 de mayo de 2024

The Fall Guy - Profesión Peligro

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En un verano incipiente en donde la lucha de franquicias y nuevas fórmulas es la norma, tenemos un caso raro en donde la adaptación de una serie que nadie recuerda llega a la gran pantalla, y en esta trae todo lo necesario para triunfar en taquilla, aunque parece que en realidad tomará la culpa por fallas ajenas ya que el público se muestra reticente a dar oportunidad a nuevas/viejas opciones.

 The Fall Guy es la cinta más reciente del director de acción David Leitch. A quien tal vez recuerdes como “uno de los dos culpables de la muerte del perrito de John Wick” (junto con Chad Stahelski), y quien tomó su propio camino con Rubias Atómicas, Deadpool, Céline Dion y Tren Bala. Y no, no es broma lo de Céline Dion, ya que le dirigió un video clip. La cinta puede ser descrita como una película de acción romántica, aunque en realidad, cuenta como dos historias de amor (y una tercera personal, pero ya de eso escribiré al final). ¿Cómo está eso?

 


El primer romance viene de la mano de Colt Seaver, un extra especializado en hacer las secuencias de acción que el otrora Kraven, Aaron Taylor-Johnson no se atrevería a ejecutar. Tiene una relación peculiar con Jody Moreno (Emily Blunt), una muchacha dedicada que ha trabajado desde asistente de cámaras, para ir escalando poco a poco posiciones hasta lograr su sueño de dirigir su propia película. Debido a un penoso accidente en una escena, es que Colt queda terriblemente dañado, por lo cual pierde el contacto con prácticamente todos los de su vieja vida. A la distancia busca recuperarse, aunque eso implica que las mayores dosis de adrenalina las tendrá al estacionar autos deportivos en el lugar en donde trabaja como valet.

 

Azares del destino se dan, y la productora con la que ha trabajado casi toda su vida, le llama a Colt, siendo Gail (Hannah Waddingham) quien le dice que debe formar parte del equipo detrás de cámara de la ópera prima de Jody, la cual pidió personalmente que fuera al otro lado del mundo a ayudarla. Colt toma el llamado, aunque al llegar allá las cosas se complican, ya que deberá resolver desapariciones, escapar del crimen organizado, sobrevivir intentos de asesinados, y mostrar que toda su experiencia como doble de acción puede servirle más de lo que esperaba al sobreponerse a tantas amenazas.

 

La cinta tiene las mejores escenas de acción que podrás ver este año en la gran pantalla. El cuidado de estas viene garantizado gracias al trabajo de Leitch, aunque se nota que su prioridad eran dichas secuencias y no tanto el guion y desarrollo de los personajes, los cuales pueden parecer un poco confusos por momentos, pero ¿a quién le importa cuando tienes una persecución de coches, con balaceras, en medio de las calles de Sídney, Australia?

 

El manejo disparejo del guion es el menor de los problemas para una cinta que tuvo un presupuesto reportado de 140 millones de dólares, y a la fecha, tras su segundo fin de semana, va apenas superando la marca de los 100 millones, lo que hace que los que la vimos y disfrutamos, deseemos que tenga una corrida larga en cartelera, porque la cinta en verdad lo merece. Tiene la gran mayoría de los elementos que deberían hacer un éxito: estrellas reconocidas encabezadas por un gran actor carismático y establecido, lo que debería ser más que Kenough, acompañado por una Emily Blunt que tiene más desarrollo de personaje en dos escenas que todo lo que hizo en Oppenheimer. Además, hay acción espectacular, ideas y ejecuciones frescas (al menos tan frescas como las adaptaciones de 21st Jump Street, otra serie viejita que saltó a la gran pantalla), y en el mismo Cinemascore tuvo una calificación de A-, lo que significa que de las cintas estrenadas, supera a Civil War (quienes dicen es un gran hit taquillero para A24, pero eso no es cierto), y quedando debajo de Dune Dos (la gran cinta del año, hasta el momento).


Como escribió en su momento Matt Singer, parece que no sabemos lo que el público quiere. Cintas menores y con peor desarrollo logran más taquilla, debido principalmente a que vienen de franquicias (te estoy viendo a ti, Reino de las Secuelas de las Precuelas del Planeta de los Simios), y cintas como The Fall Guy, que curiosamente cubren todos los cuadrantes ansiados por ejecutivos de Hollywood (apelando a hombres, mujeres, chicos, grandes, similares y conexos), quedan muy detrás... Es el tipo de cinta que la mayoría de la gente dice quiere ver, pero… no lo hace… o se esperará a que llegue al streaming dificultando justificar la inversión en este tipo de obras, aunque cabe destacar que un presupuesto menor le hubiera quedado mejor… aunque… ¡la acción en pantalla lo justifica!

 

The Fall Guy, expresión que traducida al español queda lejos de ser “Profesión: Peligro” o “El Especialista”, y se adecua como “El Chivo Expiatorio”, lleva en el nombre la penitencia. No despierta gran interés de las audiencias, y será usado como ejemplo para “demostrar” cómo la única opción saludable es continuar con secuelas y franquicias vigentes, al mejor estilo Disney, hasta que las vacas queden tan flacas que no haya nada que ordeñarles. Y es que, a pesar de esto, la cinta es una verdadera carta de amor al cine. Y así tan cliché como es esa frase usada por comentaristas de redes sociales, es genuino el interés por hacer mejores películas comerciales que no sean “entretenimiento descerebrado” sino que cuente con al menos una gran ejecución.

 

Y es aquí en donde tenemos el segundo romance de la cinta. The Fall Guy es hecha por gente que ama al cine, y lo que eleva al séptimo arte para ser el favorito de muchos.



 

La cinta es consciente de sus errores y planteamientos. Sabe la historia que quiere contar y la cuenta. Desde referencias musicales nada sutiles a Dune, burlas al establecimiento de actores como el mismo banal y descerebrado Taylor-Johnson, el planteamiento de que ahora sí las mujeres pueden tener a su cargo al gran mega blockbuster que fascinará a todos (lo siento Barbie, pero todos queremos ver a Metal Storm), los juegos de suplantación de identidad en donde se reafirma el que las personas más poderosas en el cine son productoras, en donde la misma Gail da vida a un híbrido fascinante de Amy Pascal, Deborah Snyder, Kathleen Kennedy, y otras, así como el hecho de que nuestro personaje principal es prescindible, lo cual lo vuelve la figura perfecta para tomar una misión tremendamente peligrosa con tal de que la película pueda finalizarse. Todo está ahí metido para comentar, meta-comentar, y ejecutar lo que pasa frente y detrás de la pantalla, así como con quienes nos dedicamos a hablar de ella. ¿Es malo tener una secuencia con pantalla dividida explicando porqué tener una secuencia con pantalla dividida puede ser mala idea?  El poder del guion te muestra porqué sí, no, y todo lo contrario.

 

Mientras que personas más “cerebrales” podrían plantear que estos manejos son muy superficiales, están menospreciando el tremendo trabajo que se hace para que esto se pueda apreciar así. Si fuera ten superficial, la elaboración de grandes secuencias de acción no tendría lugar a menos que Villeneuve la use para establecer un punto filosófico sobre cómo el poder corrompe o Spielberg quiera ilustrar lo crudo de una invasión bélica. El cine es arte, entretenimiento y negocio, y aunque hay casos aislados, nadie entra a participar en una película esperando hacer una porquería. Ni siquiera esas personas que no se van a llevar el crédito ya que son “prescindibles” y si les pasa un accidente, nadie las va a extrañar.

 

Finalmente, el mismo Leitch, acompañado por el guion de Drew Pearce y Glen A. Larson, usan esta cinta ubicada en medio de una filmación para enaltecer a esas figuras que desde hace años merecen más reconocimiento y la Academia se sigue negando a abrir una categoría para extra de acción. Esto es cada vez más vigente, especialmente ante los años en donde el manejo de efectos visuales, hechos por otro gremio sobreexplotado y mal pagado, es la solución sugerida, haciendo que la artificialidad en pantalla pierda la gravedad y el peso en secuencias que deberían tener impacto. Y esto tanto de manera literal como metafórica.

 

El cine es un arte y un negocio colaborativo, y esto es celebrado en la misma cinta, en donde, aunque se incluyen recursos sobre usados como el stinger al final de la cinta (gracias, Marvel, por matar lo que hacía especial a estas secuencias), hay mucho más crédito en alabar lo que implicó hacer muchas secuencias de acción que le dan vida tanto a la película de The Fall Guy, como a la película que se estaba rodando dentro de esta ficción (Metal Storm, la cual con gusto veo si la hacen). Es aquí donde se muestra el respeto y el cariño a esta expresión artística.

 

Se que es un poco iluso el esperar que una cinta tenga éxito y aceptación por parte del público basado en lo que esta representa, pero es triste el ver que a pesar de que ha tenido gran recibimiento por la mayoría de los que la han visto, el público en general no ha mostrado el mismo interés que sí expresa ante fórmulas revisadas y desgastadas con simios, lagartijas gigantes peleando con simios, o películas producidas por Jordan Peele con un simio en el título. Tal vez la clave siempre estuvo en enfocarse menos en buscar reinventar y adaptar fórmulas a nuevas audiencias, y tomar una fórmula clásica de los cómics de la época de plata y simplemente agregar un simio en la portada o en este caso, en el poster. Ese Julius Schwartz (editor de DC Comics)  sabía lo que hacía.

 

Y con eso terminamos los comentarios sobre The Fall Guy. Una gran cinta de acción que esperemos encuentre más audiencia con el paso del tiempo y el lanzamiento en otras ventanas, aunque está diseñada para disfrutarse plenamente en la gran pantalla.

 



 

Espera un momento… al principio hablabas de dos… ¿tres romances?

 

Bueno, el tercero no va en esa categoría y es algo mucho más personal, así que mejor vete, ya que esto terminó. Siguen comentarios aleatorios que más bien deberían estar en un diario personal que en un texto público sobre una película comercial.

 

Un detalle que en particular me pegó de manera personal en la cinta tiene que ver con la actitud y manejo del personaje de Colt Seavers. Hay un diálogo entre él y el personaje de Jody, en donde esta le pregunta a él “¿Cómo has estado?, a lo cual Colt solo le da el pulgar arriba. Jody responde “No tienes idea de cómo odio eso de los pulgares que hacen ustedes, los extras”.

 La línea puede parecer banal y solo referencia para mostrar el carácter ligero de Colt, pero hay mucho más detrás e incluso fue comentado después en entrevistas tanto por Ryan Gosling como por David Leitch. En la misma secuencia, parte del conflicto entre la pareja tiene que ver con la manera en que se comunican. Colt se alejó para tratar de recuperarse después de un fracaso que hizo que su carrera se viera destruida.

 Jody odia esa expresión del pulgar arriba, la cual indica que todo esta bien y podemos continuar. Hay más personas en la producción, y no nos debemos detener solo por una posible lesión de uno del equipo. Esta persona no te va a decir cómo se siente en verdad y esto se vuelve parte de su vida misma. “Estoy bien. Todo está bien”. Nunca ves pulgares abajo en un set. No debería ser posible que siempre haya señales positivas, sin embargo, son las que se ven.

 Una frase que fue trasladada de las charlas entre Leitch y Gosling al guión, sobre cómo se siente ser un doble de acción, es que “Bueno, todo duele. Todo, todo duele. Duele cuando te golpea un auto. Duele cuando sales disparado por una ventana. Duele cuando te prenden fuego.” Pero algo que le dolía más a Colt era precisamente el no estar con Jody.

 A nivel personal, los últimos años no fueron precisamente sencillos. Claro, el tener una pandemia no fue fácil para la abrumadora mayoría de las personas que tuvimos que sobrevivirla, lo cual fue más fácil que no sobrevivirla, pero a menos que fueras de esos privilegiados que desde sus mansiones privadas cantaron Cielito Lindo o Imagine, hubo pérdidas y cambios en muchos aspectos.

 Para mi fue un cambio laboral. Claro, estuve buscando distintas opciones de trabajo, así como enfocarme más en lo que más disfruto, e incluso durante un tiempo, puedo decir que vivía de hacer podcasts. Esto fue una ventana limitada en donde mientras continuaba con mi búsqueda, cada vez más desesperada, pretendía que todo iba bien y solo necesitaba esperar a que el mundo mejorara. ¿Estaba muy activo promoviendo cierto podcast de tecnología o relanzando especiales en nuevos formatos para el de cine? ¿Presumía que llegábamos a altas posiciones en los rankings gracias al gran trabajo y aceptación? Fachadas para presentar esa imagen de que todo esta bien, cuando en realidad, todo estaba de la chingada.

 

En 2023, cuando finalmente mi vida se empezaba a enderezar un poco, tuve dos pérdidas personales que me dolieron muchísimo. Una, irreversible, con la muerte de mi madre. Era algo que sabía que eventualmente iba a llegar y por eso en los últimos años buscaba verla y frecuentarla, incluso aunque no tuviera trabajo ni dinero, mientras que pretendía que todo iba bien. ¿Para qué darle más preocupaciones a alguien que debía enfocarse más en su salud y recuperación? Al final llegó su partida, la cual dolió mucho.

 

Otra, la cual hasta el momento se siente casi igual de definitiva, fue con la pérdida de una amiga. No, no está muerta, pero seguro está en un mejor lugar… es decir, en un lugar en donde no estoy yo. Con ella había compartido casi la mitad de mi vida en mayor o menor medida, hasta que, cerca de estas fechas, mientras la buscaba para ver si nos veíamos para celebrar su cumpleaños, me percaté que ya no la veía en redes sociales. Me había expulsado de su vida. Eso dolió. Física. Emocional. Mentalmente. Mucho.

 

Las diferencias que pudieron ocurrir son solo para que nosotros las discutamos. Lo curioso es que, al ver la película, veía ciertos paralelismos en la relación que llegamos a tener, con cierta complicidad para algunas cosas, a la que tenían los personajes de Blunt y Gosling. Claro, esto era una simple amistad, sin interés romántico, pero para mi no era simple, sino algo muy valioso. Algo que ya no está más.

 

Al ver la cinta, fue en cierta medida catártico para mí. Claro, la ficción es más cómoda, y puede tener giros más agradables que una seca realidad, en donde las razones pueden pesar menos que las acciones, y en donde algo de comunicación gracias al poder del guion puede ayudar a resolver la situación. Me identificaba con el distanciamiento de Colt ya que trataba con mi depresión en su momento de manera similar. Con cierto distanciamiento para no presentar una imagen vulnerable y menos de dolor… excepto que yo nunca bloqueé comunicaciones, y ya cuando mental y emocionalmente estaba más estable, buscaba nuevamente un acercamiento.

 

La secuencia en que Jody se pone a ventilar las incomodidades en medio del set, mientras pide que le prendan fuego una y otra vez al doble incómodo traído al set sin que ella lo supiera, es algo que se ve divertido en pantalla, y sirve para mostrar la dinámica y el toma y daca entre ellos mientras podrían resolver sus diferencias.

 

Esto es menos divertido cuando se recontextualiza ese momento de entretenimiento con lo que dice el mismo personaje de Colt en la cinta cuando finalmente se puede abrir y aceptar esa realidad incómoda. “Todo duele. Todo, todo duele. Duele cuando te golpea un auto. Duele cuando sales disparado por una ventana. Duele cuando te prenden fuego”. Y en esa secuencia Jody lo hacía deliberadamente a modo de terapia para sacarlo de su sistema, sin importar los efectos que tenía con su contraparte. Y todo eso, duele. Incluso con la mejor actitud.

 

¡Hey!, pero eso implica que al menos hay comunicación. Y con eso se puede buscar una solución. La ficción tiene un mejor final que la realidad, y en ocasiones uno solo puede “tomar la caída”, o ser “el chivo expiatorio” de problemas ajenos. Si hay malentendidos, al menos esa comunicación puede ayudar a que se expresen y de esta manera se pueda buscar una solución. Pero para esto se necesita disposición de ambas partes. Y tras un año de buscar acercamientos en distintos medios, al menos en mi caso, sigo topando con pared y rechazo sin importar los medios que busque para un acercamiento.

 

La cinta al final tiene un final feliz, de esos que sirven para que el espectador olvide un poco la realidad y pueda tener un escape a una historia en donde esto puede pasar. Yo por lo pronto cierro un duelo de una pérdida muy dolorosa, aunque no necesariamente pretendiendo que “todo está bien”, mientras busco maneras para que pueda eventualmente estarlo.

 

Me mandan el recibo por la sesión de terapia.

 

Me despido con un pulgar hacia arriba.


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